domingo, 31 de enero de 2016

SIEMPRE PREFERIRE QUE ME DIGAS LA VERDAD, AUNQUE DUELA

Es posible que prefiramos ocultar la verdad por miedo a lo que el resto pueda pensar de nosotros. Siempre será mejor, desde el respeto, ser sinceros y expresar nuestra opinión
La verdad es convicción y equilibrio interior, sobre todo en las relaciones de pareja. Hay quien no la practica ni siquiera para sí mismo, pero es necesario que en el día a día la ofrezcamos, siempre con respeto, para favorecer la convivencia.

Hay quien desea medias verdades. Hay quien prefiere mentiras que consuelan, pero vivir en la falsedad o en las medias mentiras trae, poco a poco, una sentida infelicidad.

“Quiero la verdad, aunque duela”. Estamos seguros de que también tú lo habrás dicho en alguna ocasión en voz alta y, aunque el temor te haya embargado por dentro, hemos de pensar que la verdad siempre nos ayudará a avanzar con más seguridad para saber a qué atenernos.
Reflexionamos hoy sobre ello en nuestro espacio.

La verdad para cerrar círculos, etapas personales
Pongamos el ejemplo más común: vives una relación de pareja donde intuyes que el cariño ya no es el mismo, que los gestos ya no son auténticos.

En ocasiones, nos limitamos a seguir con esa relación por miedo a la soledad, por temor a afrontar la realidad: hacemos como si no pasara nada esperando que la situación cambie. Que mejore.

Ahora bien, intuir, ver y sentir algo negativo y no decirlo en voz alta es un error.
Hay que pedir siempre la verdad, y más en temas afectivos. Es la única forma de mantener la integridad personal y de afrontar la situación:

Las personas necesitamos la verdad en nuestras relaciones para poder luchar por ellas o por el contrario, poder cortar el vínculo, sanar la herida y avanzar.
Preferir falsas verdades o palabras que consuelan no hacen más que alargar una situación que, tarde o temprano, empeorará. Y ello puede ser muy negativo para nuestra salud emocional.
La verdad nos pone frente a frente ante una evidencia que hay que asumir. Y es algo que deberemos afrontar con entereza y, aunque duela, podemos desplegar estrategias propias para seguir viviendo con valor e integridad.
La verdad es un arma de doble filo
Hay un aspecto que debemos tener en cuenta. ¿Es conveniente ser sincero en cada momento? ¿Es obligatorio decir siempre la verdad?

La clave está en el equilibrio y en mostrar respeto. Seguro que también tú conocerás a una de esas personas que se vanaglorian de ser muy sinceras, directas y de no “callarse nunca nada”.

Esto hace que la verdad se convierta en ocasiones en un arma de doble filo.

Es necesario entender la verdad como un instrumento de convivencia que nos permita crecer, asumir la realidad y fomentar el respeto.
La verdad no se puede utilizar como una forma de agresión. Nadie puede ir por el mundo revelando a quien odia, quien huele mal, a quien no soporta, o quien le parece ridículo.
También debemos tener en cuenta, que en ciertos ámbitos, cada uno de nosotros disponemos de nuestra propia verdad. “Yo pienso que el partido político X es el mejor” (cuando en realidad, lo puede ser para ti, pero no para los demás).
En ocasiones, la verdad tiene muchos matices porque, lejos de ser una entidad universal, es algo muy particular. Y, por ello, debemos usarla con respeto, equilibrio y, sobre todo, manteniendo la integridad.
Nunca digas lo contrario de lo que piensas
Este es otro elemento esencial: para mantener una buena autoestima nunca caigas en el error de decir lo contrario de lo que piensas por complacer a otros. Es una forma de caer en la infelicidad.

Tenemos claro que la verdad NUNCA debe utilizarse como instrumento de agresión y que, en ocasiones, es conveniente “maquillarla” un poco y utilizar las palabras adecuadas:

En lugar de decirle a un compañero de trabajo eso de “cada vez te soporto menos, eres alguien egoísta que no para de hablar en todo el día y que no deja trabajar a nadie” podemos sustituirlo por “te pediría por favor que nos centráramos más en la tarea y menos en los temas personales, últimamente me cuesta trabajar y desearía un poco de silencio”.

Como ves, la idea sigue siendo la misma, pero hemos actuado con respeto enfatizando una necesidad: mantener distancia y centrarnos en lo importante: el trabajo.
Los psicólogos nos dice que si las personas recurrimos a la mentira es básicamente por miedo:

Miedo a revelar alguna información que puede incomodar a otros.
Miedo a perder lo que tenemos en este momento.
Temor a posibles consecuencias.
Inquietud a que los demás descubran que no somos como ellos esperaban.
Todo ello son situaciones que, mantenidas en el tiempo, pueden erosionar mucho nuestro auto concepto. Si no te gusta esa comida que te hacen tus suegros cada fin de semana, dilo con respeto o acabarás con una indigestión.

Si no te gusta cómo te trata tu jefe, reacciona, o tarde o temprano puede que te trate peor al ver que tu umbral de resistencia es muy alto.


Y aún más, si no amas a tu pareja, díselo y no alargues una situación que tarde o temprano os hará más daño a ambos.

viernes, 29 de enero de 2016

¿ES POSIBLE MORIR DE AMOR?


La muerte de un ser querido puede sumirnos en un estado de tristeza y depresión que hace que nuestro cuerpo se canse de vivir. Suele afectar sobre todo a parejas mayores
Morir de amor es algo que siempre ha ocupado nuestras novelas más románticas. Algo que se considera bello, el culmen de lo que debe ser una pareja de verdad. Pero, ¿realmente es así?
Seguramente te vengan a la cabeza los famosos Romeo y Julieta que tanto han hecho saltar a algunos corazones. Y qué decir de todas aquellas noticias que inundan nuestros periódicos y nuestras televisiones en las que una pareja muere al mismo tiempo o pocos días después de fallecer su cónyuge.
El amor es algo muy fuerte, algo muy difícil de explicar, ya que solo unos pocos pueden sentir lo que es amar de verdad. Si es amor de verdad, te costará describirlo.
El síndrome del corazón roto
Como bien hemos dicho, el amor es un sentimiento tan fuerte que, en ocasiones, hace que personas muy unidas mueran en días o en horas cercanas.

No es raro oír este tipo de noticias pero, ¿qué hay de cierto en esto? ¿Es verdad que ha sido una muerte por amor o por algún otro problema?

Encontrar una respuesta científica para esto es algo casi imposible, ya que las pruebas no son claras. Eso sí, existe una denominación, “el síndrome del corazón roto“, que puede arrojar algo de luz sobre este aspecto.
Al parecer, cuando una pareja está fuertemente unida, la pérdida se siente de tal manera que puede producirse un ataque cardíaco, provocando que el corazón deje de latir.

El estrés psíquico y físico es tan elevado que provoca esta reacción que, literalmente, te mata. Como curiosidad: es mucho más común que suceda en las mujeres que en los hombres.

Es cierto que en una situación de máximo estrés, ansiedad o cualquier otra emoción negativa puede aumentar el riesgo de sufrir enfermedades cardiovasculares y cerebrovasculares. No obstante, esta experiencia repentina y sin aparente justificación suele suceder entre las parejas.

El amor: hermoso, pero mortal
Al parecer, el amor no es tan hermoso como creemos, bueno, a menos que consideremos la muerte por amor algo terriblemente bello, pero mortal al fin y al cabo.

Han sido diversos los estudios que se han realizado al respecto de este tema. Uno muy importante se publicó en la revista inglesa Epidemiology, realizado con 58 000 parejas desde 1991.

Este dejó de manifiesto que el porcentaje de mujeres que “mueren por amor” es mucho más elevado que el de los hombres.

Se reveló que tanto los hombres como las mujeres morían antes de cumplir tres años de la muerte de la pareja, reflejando que su calidad de vida disminuía tras este hecho.
Se han validado como posibles consecuencias diferentes factores como la ansiedad o la depresión. La pérdida de la pareja provoca que una parte de nosotros muera y, realmente, nos consuma.


Si tu interior no está sano, si tu mente no está en calma, todo ello se manifestará,  tarde o temprano, de forma física. No es la primera vez que un dolor psicológico se transforma en un síntoma físico.


Por ejemplo, si no hemos conseguido superar una pérdida o solucionar un problema que afecta a nuestro estado de ánimo y que nos provoca ansiedad y depresión, puede que acabemos desarrollando dolores de cabeza o de estómago sin motivo aparente.
Después de que todos los estudios realizados (y los que quedan por realizar) hayan arrojado luz sobre este tema, los datos obtenidos afirman que sí se puede morir por amor.

Está claro que lo que provoca la muerte es ese estado de tristeza sumo en el que nos vemos atrapados, sin poder salir y sin intenciones algunas de levantarnos de esta situación.

Aunque la depresión, la ansiedad y cualquier otro malestar provoquen que tarde o temprano nuestro cuerpo se “canse” de vivir, está claro que lo que ha provocado estos síntomas ha sido la pérdida de la persona amada.

Por lo tanto, ¿se puede morir de amor? Claramente… sí.
Resulta profundo y auténtico que dos personas no puedan continuar sus vidas la una sin la otra, pero curiosamente la mayoría de las parejas en las que esto suceden son bastante mayores.

Habría entonces un componente esencial de convivencia durante largos años que ha podido generarles cierta dependencia, con los consiguientes síntomas de verse solos en el mundo si la otra persona no está.

Una manera mucho más fría de ver una situación denominada “morir de amor”.


¿Tú qué piensas al respecto? ¿Has oído alguna historia de muerte por amor que te haya impactado?

jueves, 28 de enero de 2016

UN PUEBLO UCRANIANO TIENE EL RECORD DE NACIMIENTO DE GEMELOS.

Se llama Velikaya Kopanya, es un pueblo de Ucrania, tiene 4 mil habitantes y un total de 58 pares de gemelos de ambos sexos. Por ostentar este récord muchas mujeres van a beber del agua natural del sitio, ya que se cree el líquido es el responsable de tan particular fenómeno.
Un poco de agua de la montaña puede hacer mucho más que quitar la sed o hidratar el cuerpo en un día de calor agobiante. En el pueblo ucraniano de Velikaya Kopanya, justo en la frontera con Rumania, Eslovaquia y Hungría, ese líquido de la naturaliza es considerado el causante de un extraño fenómeno. Con 4 mil habitantes, cuenta con 58 pares de gemelos, de ambos sexos.

Gracias a esto se ha ganado un sitio en el libro de los récords y que muchas mujeres, del país y de fuera de él, se acerquen a probar de esta presunta agua milagrosa, con el objetivo de conseguir un parto múltiple. Hay que destacar que no se conoce la voz de la ciencia con respecto a estos nacimientos dobles.


Simplemente se trata de un misterio que puede comprobarse al recorrer las calles del pueblo ucraniano, que ha obtenido una fama internacional, más allá de Europa. A la vera de los arroyuelos, muchas mujeres se acumulan para tomar un poco de esta agua con propiedades que solo se comprueban con la fe.

miércoles, 27 de enero de 2016

AJO NEGRO ¿QUE ES? Y SUS BENEFICIOS.

El ajo es valorado por sus propiedades medicinales, además, claro de ser un ingrediente importante para dar sabor a nuestros alimentos, sin embargo, hoy en día, el ajo negro está cobrando gran importancia.

El ajo negro puede no ser tan conocido como su contraparte blanca, pero con su sabor único, color vibrante, y su suave textura, está ganando popularidad. Se cree que podría tener el doble de antioxidantes que el ajo común.

¿Qué es el ajo negro?
Se trata de un ajo que ha pasado por un proceso de fermentación, debe su nombre al color que adquieren sus dientes luego de este proceso y día a día está ganando nuevos devotos.

El ajo negro se produce por la fermentación de sus bulbos a temperaturas de 65 a 80 ° C en un ambiente de humedad controlada durante casi un mes. Después de esto, los dientes de ajo se tornan negros.

Luego de la fermentación se deja oxidar durante aproximadamente 45 días, para que adquiera una sabor dulce como el de una ciruela.

El ajo negro se puede comer crudo o cocido en la misma manera que el ajo fresco. Aunque el ajo es el único componente del ajo negro, es probable que el sabor no se asemeje en nada. De hecho , es probable que no tenga gusto a nada que hayas probado antes. El ajo negro está lleno de complejos sabores, la mordedura inicial es leve, seguido de una explosión de dulzura caramelizada y un acabado salado.

Nutrición del ajo negro
La buena noticia es que no sólo es útil para la cocina, el ajo negro, también es rico en vitamina C y otros antioxidantes, se estima que durante el proceso de fermentación, el ajo duplica la cantidad de antioxidantes que contiene.

Contiene antioxidantes, y compuestos que contienen azufre.

Beneficios del ajo negro
Aunque hace falta una investigación más profunda sobre los beneficios del ajo negro, se cree que la fermentación da lugar a un “súper” ajo, potenciando sus efectos en la salud.

Para gozar de sus beneficios se recomienda tomar de 3 a 5 dientes de ajo al día (antes o después de la comida)
Rico en antioxidantes: Son esenciales para nuestro sistema inmunológico, combaten los radicales libres.

Presión arterial alta: El ajo (Allium sativu) es una de las plantas medicinales más antiguas. Se considera útil en el tratamiento para la hipertensión y posiblemente útil para combatir los niveles elevados de colesterol.

Previene el dolor de cabeza: Es similar a la aspirina, ya que mejora la circulación.

Contra el resfrío: Los estudios  más recientes han demostrado que el ajo tiene propiedades similares a las de un antibiótico, por lo que su consumo puede ser útil, para combatir los síntomas del resfriado, así como para prevenirlo.

Beneficios cardiovasculares: Los estudios científicos han demostrado que uno de los beneficios para la salud del ajo es ayudar a prevenir enfermedades cardiacas. Los estudios sugieren que el ajo previene la formación de placa en las arterias, y puede incluso reducirla.

Adelgazante: el ajo también ayuda en el metabolismo de la grasa, por lo que se dice, que tiene propiedades adelgazantes, si se combina con una buena dieta.

Contra los parásitos: El ajo es un popular remedio contra los parásitos intestinales, y se ha utilizado con este fin desde hace muchos años.

Información adicional

La fermentación que produce el ajo negro reduce su fuerte aroma y sabor, por lo que es más aceptable y atractivo para algunas personas. El sabor del ajo negro ha sido comparado con el de un fruto seco  ahumado, dulce y con un toque salado. El ajo negro no tiene el aroma que es desagradable para muchos.

domingo, 24 de enero de 2016

THE ALLMAN BROTHERS BAND




The Allman Brothers Band fue una banda estadounidense de rock formada en 1969 en Jacksonville (Florida) por Duane Allman (guitarra), Gregg Allman (voz y órgano), Butch Trucks (batería), Berry Oakley (bajo) Jai Johanny «Jaimoe» Johanson (batería) y Dickey Betts (guitarra y voz).1 El grupo suele ser acreditado como el principal creador del rock sureño,1 aunque su música también incorpora elementos del blues, del jazz y del country,2 y sus actuaciones están orientadas hacia la improvisación instrumental.1

Sus dos primeros álbumes de estudio apenas tuvieron repercusión, pero su trabajo en directo At Fillmore East (1971) representó un gran avance artístico y comercial. El disco incluye extensas versiones de sus temas «In Memory of Elizabeth Reed» y «Whipping Post» y a menudo está considerado como uno de los mejores álbumes en directo. Duane Allman falleció en un accidente de motocicleta poco tiempo después y la banda completó en su memoria Eat a Peach (1972), una recopilación de pistas de estudio y en directo que cimentó su popularidad.1 Tras la muerte de Berry Oakley a finales de ese año, la agrupación reclutó al teclista Chuck Leavell y al bajista Lamar Williams para la grabación de Brothers and Sisters (1973),1 que junto al sencillo «Ramblin' Man», situaron a la banda en la vanguardia de la música rock de la década de 1970. Tras algunos problemas personales The Allman Brothers Band se separó en 1976 para reformarse a finales de esa misma década y volver a disolverse en 1982.1

El grupo volvió a reunirse una vez más en 1989 y a lo largo de la siguiente década publicó nuevos álbumes y actuó en directo con asiduidad.1 Con la llegada del nuevo milenio, Dickey Betts abandonó la formación, sin embargo, la llegada del bajista Oteil Burbridge y de los guitarristas Warren Haynes y Derek Trucks (sobrino de su batería), llevó a la banda a encontrar estabilidad durante más de una década.1 En 2014, debido a la salida de sus dos guitarristas, la agrupación volvió a separarse.3

The Allman Brothers Band ha conseguido once discos de oro y cinco de platino de la RIAA,4 ha sido situada entre los 100 mejores artistas de todos los tiempos por la revista Rolling Stone y en 1995 fue incluida en el Rock and Roll Hall of Fame.5 6 Según la revista Billboard, la banda habría vendido más de veinte millones de copias en todo el mundo hasta 2002.7

Índice  [ocultar]
1       Historia
1.1    Formación (1965-1969)
1.2    The Allman Brothers Band (1969-1970)
1.3    Idlewild South (1970)
1.4    At Fillmore East (1970-1971)
1.5    Eat a Peach (1971-1972)
1.6    Brothers and Sisters (1972-1974)
1.7    Win, Lose or Draw (1974-1976)
1.8    Enlightened Rogues (1978-1979)
1.9    Reach for the Sky y Brothers of the Road (1980-1982)
1.10 Seven Turns (1989-1991)
1.11 Shades of Two Worlds (1991-1993)
1.12 Where It All Begins (1994-1999)
1.13 Hittin' the Note (2000-2005)
1.14 Últimos años (2006-2014)
2       Estilo musical e influencias
3       Legado
4       Premios y reconocimientos
5       Discografía
6       Miembros
7       Referencias
8       Enlaces externos
Historia
Formación (1965-1969)
Duane y Gregg Allman, su hermano pequeño, crecieron en Daytona, Florida, donde tuvieron su primer contacto con la música. Gregg fue el primero en aficionarse a tocar la guitarra, aunque pronto será superado por su hermano; tanto, que éste abandonó el instituto para ensayar constantemente.8 El dúo formó el proyecto Escorts, que acabaría por convertirse en Allman Joys, a mediados de la década de 1960.1 Por aquella época, Gregg conoció a un amigo afroamericano que le introdujo a la música soul y al r&b, estilos que incorporaría al sonido de su grupo. En 1967, la banda pasó gran parte de su tiempo en St. Louis, donde la descubrió un ejecutivo musical de Los Angeles, ciudad a la que la agrupación se trasladaría tras cambiar su nombre por Hour Glass y grabar dos discos con la discográfica Liberty Records.1 Tras el fracaso de estos álbumes, Duane se marchó a Muscle Shoals, Alabama para trabajar como músico de sesión, mientras que Gregg se quedó en Hollywood vinculado con las obligaciones contractuales de Liberty.9 Los dos hermanos estuvieron separados durante un año, sin embargo, ambos coincidieron en Miami para participar en una maqueta del grupo 31st of February, cuyo batería era Butch Trucks.10

En los estudios FAME de Muscle Shoals, Duane Allman llegó a ser el principal guitarrista de sesión y participó con artistas como Aretha Franklin o King Curtis.1 Duane sugirió a Wilson Pickett grabar una versión de «Hey Jude» de The Beatles que finalmente alcanzó la posición veintitrés del Billboard Hot 100.11 El guitarrista firmó con FAME un contrato de cinco año de duración y formó un nuevo proyecto musical que incluía a Johnny Sandlin y Paul Hornsby. Duane también reclutó al batería Jai Johanny «Jaimoe» Johanson, al que había escuchado en una maqueta de Jackie Avery, y pronto los dos se fueron a vivir a su casa junto al río Tennessee. Allman invitó al bajista Berry Oakley, a quien había conocido tiempo atrás en Jacksonville, para que se uniera al grupo.12 La inmediata química entre los miembros y la visión de Duane de una banda «diferente» —que incluía dos guitarristas y dos baterías—, pronto empezó a evolucionar.12 Mientras tanto, Phil Walden, el mánager del fallecido Otis Redding y otros artistas de r&b, estaba buscando expandirse con la búsqueda de músicos de rock.13 El propietario de FAME, Rick Hall, frustrado por los métodos de grabación de la agrupación, ofreció las pistas que ya había grabado y su contrato a Walden y a Jerry Wexler de Atlantic Records, quien los compró por 10 000 USD.14 Walden tenía la intención de convertir a la banda en la pieza central de su discográfica, Capricorn Records, subsidiaria de Atlantic.15

Duane y Jaimoe se trasladaron a Jacksonville a comienzos de marzo de 1969, debido a que el primero estaba descontento de actuar como un «robot» para los estudios FAME.16 Una vez allí, invitaron a todo aquel que quisiera que se uniera para improvisar. El batería Butch Trucks y Oakley también se les unieron y este último trajo consigo al guitarrista Dickey Betts. Reese Wynans, miembro de Second Coming junto a Oakley y Betts, también ingresó en el proyecto, en el cual Allman y sus dos compañeros en Second Coming ejercían la labor de vocalista.17 El grupo, todavía sin nombre, empezó a realizar actuaciones gratuitas en el parque Willow Branch (Jacksonville) con una cambiante rotación de músicos.18 Duane notó que su hermano debería ser el vocalista y éste ingresó también como reemplazo de Wynans como teclista.19 Gregg se unió al grupo el 26 de marzo, cuando sus compañeros ensayaban su versión de «Trouble No More» de Muddy Waters.20 Cuatro días después, la banda hizo su debut en la armería de Jacksonville.21 Tras barajar varios nombres, como Beelzebub, el conjunto finalmente se decantó por The Allman Brothers Band.22

The Allman Brothers Band (1969-1970)
El 1 de mayo la agrupación se trasladó a Macon, Georgia, donde Walden había fundado Capricorn Records.23 Mike Callahan y Joseph «Red Dog» Campbell se convirtieron en los primeros pipas de la banda; el último era un discapacitado veterano de la guerra de Vietnam que donaba al conjunto sus cheques mensuales por incapacidad.24 En Macon, el grupo y su equipo se alojaron en casa de un amigo en el 309 College Street y a la que llamaron «Hippie Crash Pad».25 Debido a sus escasos recursos, un amigo propietario de un restaurante alimentó a la banda de manera gratuita, aunque posteriormente, tras obtener beneficios con sus conciertos, la agrupación le pagó por su ayuda.26 Su imagen de jóvenes de pelo largo con un afroamericano —Jaimoe— no fue bien recibida por la comunidad blanca de la ciudad.27

Los integrantes de The Allman Brothers Band pronto formaron una fuerte hermandad, ensayaban varias horas, consumían drogas psicodélicas y pasaban gran tiempo en el cementerio Rose Hill, donde empezaron a componer sus temas.28 Sus primeras actuaciones fuera del Sur de Estados Unidos tuvieron lugar en Boston, el 30 y el 31 de mayo, como acto de apertura de The Velvet Underground.28 Debido a la necesidad de más temas, el grupo ensayó viejas canciones de blues como «Trouble No More» y «One Way Out» y algunas improvisaciones propias, como por ejemplo «Mountain Jam».29 Gregg Allman que había tenido problemas en el pasado para componer, se convirtió en el principal compositor y escribió pistas como «Whipping Post» y «Black-Hearted Woman».30 En agosto de 1969, la banda se dirigió a Nueva York para grabar su álbum debut con el productor de Cream Tom Dowd, quien finalmente no estuvo disponible y que fue reemplazado por Adrian Barber, ingeniero de Atlantic Records.31 En sólo dos semanas, el disco, titulado de manera homónima; fue grabado y mezclado, y salió a la venta en noviembre de ese mismo año a través de las discográficas Atco y Capricorn.32 Su recepción comercial no fue muy buena y vendió menos de 35 000 copias en las primeras semanas tras su lanzamiento,33 lo que llevó a posicionarse únicamente en el puesto 188 del Billboard 200.34

Idlewild South (1970)
Artículo principal: Idlewild South
Los ejecutivos de Atlantic sugirieron a Walden que trasladara a la banda a Nueva York o a Los Angeles para «aclimatarla» a la industria musical,35 sin embargo, los músicos optaron por quedarse en el Sur y alquilar una casa de campo a las afueras de Macon a la que llamaron «Idlewild South» y en la que pactaron ser «uno para todos y todos para uno».36 No obstante, en marzo de 1970, el grupo se mudó a una casa victoriana alquilada por la mujer de Oakley y apodada «The Big House».36

The Allman Brothers Band realizó más de 300 conciertos a lo largo de 1970 y en la que utilizó como medio de transporte una furgoneta Ford Econoline y una autocaravana.37 La convivencia en la carretera llevó a sus integrantes a consumir grandes cantidades de droga, además a excepción de los dos hermanos, el resto tenía dificultades para ganarse la vida. 38 Por otra parte, la formación se encontró con otros problemas: El pipa Twiggs Lyndon apuñaló mortalmente a un promotor por no pagar el dinero acordado a la banda y Duane Allman sufrió una sobredosis de opio tras una actuación.39 40 El sexteto grabó entre febrero y julio, y en distintas ciudades (Miami, Macon y Nueva York), su segundo álbum de estudio;1 que salió a la venta en septiembre con el título Idlewild South.41 El disco tuvo mejores ventas que su antecesor y llegó al puesto treinta y ocho del Billboard 200.34

At Fillmore East (1970-1971)
Artículo principal: At Fillmore East

Duane Allman actuando en Fillmore East en junio de 1971.
Poco después de completar el álbum, el guitarrista Eric Clapton contactó con Duane para que contribuyera en su nuevo proyecto, Derek and the Dominos.42 Allman era un gran aficionado de su labor con Cream y Clapton estaba impresionado por el trabajo de éste en la canción «Hey Jude», grabada un par de años atrás con Wilson Pickett.43 Ambos se conocieron una noche en Miami durante un concierto y estuvieron improvisando hasta la mañana siguiente.44 El guitarrista británico le ofreció que se uniera a Derek and the Dominos, pero finalmente el estadounidense optó por regresar a The Allman Brothers Band.42 Sin embargo, Duane participó en el único álbum de estudio del proyecto, Layla and Other Assorted Love Songs, publicado en noviembre de 1970.45

La fortuna de la agrupación comenzaría a cambiar durante 1971, cuando sus ingresos se duplicaron.46 Según Gregg Allman: «Nos dimos cuenta de que la audiencia era una gran parte de lo que hacíamos y no podía ser duplicada en un estudio. Nos dimos cuenta de que necesitábamos hacer un disco en directo».47 Ante la idea de editar un trabajo en vivo, la banda grabó sus actuaciones en la sala Fillmore East (Nueva York) los días 11, 12 y 13 de marzo de 1971.48 El disco, titulado At Fillmore East, fue publicado en julio a través de Capricorn y llegó a la decimotercera posición del Billboard 200,49 34 y consiguió una certificación de platino de la RIAA.4 El álbum, considerado como uno de los mejores trabajos en directo de todos los tiempos,50 51 52 48 53 fue incluido en el Salón de la Fama de los Grammy en 1999 y en 2004,54 el Registro Nacional de Grabaciones lo seleccionó para su preservación en la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos.55

Eat a Peach (1971-1972)

Berry Oakley durante un concierto en Nueva York en abril de 1972.
Por aquellos momentos, el grupo comenzó a disfrutar de fama y fortuna, y algunos de sus integrantes y de su equipo continuaban su lucha contra su adicción a las drogas. En octubre de 1971, cuatro personas —Berry Oakley, Duane Allman y los pipas Robert Payne y Joseph «Red Dog» Campbell— ingresaron en el hospital Linwood-Bryant para su rehabilitación.56 El día 29 de ese mismo mes, Duane, con apenas 24 años; murió en un accidente de motocicleta cuando regresaba a Macon.57 El guitarrista conducía su bicicleta a gran velocidad cuando en una intersección tuvo que realizar un giro brusco para no colisionar contra un camión.58 Allman no pudo evitar golpearse contra la parte trasera del vehículo y salir disparado; además la moto cayó encima de su cuerpo aplastando sus órganos internos.59 Aunque estaba vivo cuando llegó al hospital, falleció pocas horas después debido a las masivas lesiones internas. Tras la muerte del guitarrista, la banda realizó una reunión para discutir su futuro y en la que decidieron continuar con su carrera.60 En diciembre, el conjunto regresó a Miami para completar su tercer álbum de estudio, que incluía pistas en directo grabadas en Fillmore East.61 Eat a Peach salió a la venta en febrero de 1972 y fue su segundo trabajo de éxito;41 llegó al cuarto puesto del Billboard 200 y apenas dos meses más tarde consiguió un disco de oro otorgado por la RIAA.34 4

Ese año, The Allman Brothers Band realizó aproximadamente noventa conciertos en los que actuó como quinteto y adquirió unos terrenos en Juliette, Georgia apodados como «The Farm» y que pronto se convertirían en su lugar de reunión.62 63 Por otra parte, Oakley seguía afectado por el fallecimiento de Duane y comenzó a consumir alcohol y drogas, lo que le provocó una significativa pérdida de peso.64 Según sus amigos y familiares, el bajista parecía haber perdido «toda esperanza, su corazón, su unidad, su ambición y su dirección» tras la muerte del guitarrista.65 El 11 de noviembre de 1972, Oakley, ligeramente ebrio y satisfecho tras dirigir una improvisación con el resto de la banda;66 estrelló su motocicleta contra un autobús, a escasos metros de donde Allman había perdido la vida.67 Tras el choque, el bajista rechazó la ayuda sanitaria y se fue a casa, sin embargo; el traumatismo fue en aumento y tuvo que ser trasladado a un hospital donde falleció de un edema cerebral.67 Oakley fue enterrado en el cementerio de Rose Hill, junto a la tumba del guitarrista.68

Brothers and Sisters (1972-1974)
Artículo principal: Brothers and Sisters (álbum)

The Allman Brothers Band en 1973 con Lamar Williams y Chuck Leavell ya en sus filas.
La banda decidió por unanimidad continuar su carrera y hacer audiciones a varios bajistas. De entro todos los candidatos la agrupación seleccionó a Lamar Williams, un amigo de la infancia de Jaimoe, que acababa de regresar de Vietnam tras dos años de estancia con el ejército.69 Por su parte, el pianista Chuck Leavell, contratado para participar en el primer disco en solitario de Gregg Allman; poco a poco comenzó a involucrarse también con el grupo.70 Dickey Betts se convirtió de facto en el líder del grupo durante la grabación. Según el mánager de gira Willie Perkins: «No fue como si Dickey llegara y dijera: “Yo me hago cargo, soy el jefe”. Todavía era supuestamente una democracia pero Dickey empezó a participar más y más en el proceso de composición».71

La nueva formación entró en los estudios de Capricorn Records de Macon en octubre de 1972 para comenzar la grabación de su cuarto trabajo de estudio.70 Brothers and Sisters, publicado en agosto de 1973,72 se convirtió en su mayor éxito comercial;73 llegó al primer puesto del Billboard 200 y del Canadian Albums Chart,34 74 y el mismo mes de su lanzamiento fue certificado como disco de oro por la RIAA.4 Además, el primer sencillo del álbum, «Ramblin' Man» alcanzó la segunda posición del Billboard Hot 100.1

El éxito del disco permitió a la banda actuar en locales cada vez más grandes y recibir más beneficio económico, sin embargo, entre sus integrantes se agravaron los problemas con las drogas y la comunicación entre ellos se redujo de manera considerable.1 El culmen de estos problemas fue una reyerta entre bastidores cuando el conjunto tocó junto a Grateful Dead en el RFK Stadium de Washington y que terminó con el despido de tres de sus pipas.75 En 1974, The Allman Brothers Band recibió una media de 100 000 USD por concierto y alquiló como medio de transporte un Boeing 720 utilizado con anterioridad por Led Zeppelin y The Rolling Stones.76

Win, Lose or Draw (1974-1976)

Gregg Allman actuando en la gira de 1975.
Después de que Dickey Betts y Gregg Allman publicaran sendos trabajos en solitarios,77 el grupo volvió a reunirse en febrero de 1975 en Macon para comenzar la grabación de un nuevo álbum.78 Allman, que residía en Los Angeles junto a la cantante pop Cher, decidió grabar su voz en dicha ciudad, debido a la incomodidad de tener que viajar a Macon; algo que disgustó a sus compañeros.1 Tras su lanzamiento, el disco, titulado Win, Lose or Draw; recibió principalmente críticas negativas79 y tuvo peores ventas que su antecesor; aun así llegó a la quinta posición del Billboard 200 y obtuvo un disco de oro de la RIAA.34 4

Entre agosto de 1975 y mayo de 1976, The Allman Brothers Band realizó cuarenta y un conciertos ante algunas de las mayores audiencias de su carrera.80 Poco a poco, los músicos se distanciaron aún más y las pruebas de sonido y los ensayos «eran cosa del pasado».80 Allman señalaría más tarde que una actuación benéfica para el candidato presencial Jimmy Carter fue el único «punto álgido» de una «escabrosa gira». Los conciertos fueron calificados como «mediocres» y los integrantes del grupo eran excesivos con su consumo de droga.81 El momento más tenso se produjo cuando Allman testificó en el juicio contra el encargado de la seguridad Scooter Herring.1 Sus compañeros le consideraron como un «soplón» y recibió varias amenazas de muerte que provocaron que tuviera que ser escoltado con protección policial.82 Herring fue declarado culpable de cinco cargos de distribución de cocaína y recibió una condena de setenta y cinco años de prisión.77 Los restantes miembro del conjunto, resentidos por la actitud del vocalista, decidieron no volver a comunicarse con él y por tanto el grupo se separó.77 Chuck Leavell, Lamar Williams y Jaimoe continuaron juntos en el proyecto Sea Level,77 Dickey Betts encabezó el proyecto Great Southern y Gregg Allman continuó su carrera en solitario.77 La disolución provocó que en noviembre de 1976, Capricorn publicara el directo Wipe the Windows, Check the Oil, Dollar Gas como un intento de «mantenerse a flote».83

Enlightened Rogues (1978-1979)
En 1978, Allman y el mánager Phil Walden hablaron con Betts sobre la posibilidad de una reunión. Su primera aparición pública juntos tuvo lugar ese verano, durante un concierto de Great Southern en Nueva York en el que Allman, Jaimoe y Trucks se unieron para tocar un par de canciones. Williams y Leavell declinaron dejar Sea Level,84 así que The Allman Brothers Band contrató a dos nuevos integrantes; el guitarrista Dan Toler y el bajista David Goldflies.85 El grupo se reunió con el productor Tom Dowd en los estudios Criteria de Miami para grabar un nuevo álbum que salió a la venta en febrero de 1979 bajo el título Enlightened Rogues.86 El disco fue un éxito menor; llegó al noveno puesto del Billboard 20034 y la pista «Pegasus» consiguió una nominación al premio Grammy en la categoría de mejor interpretación instrumental de rock.87 Tras su lanzamiento, Betts demandó a Walden por no pagar las regalías y los gastos de grabación, y posteriormente; su abogado, Steve Massarsky, se convirtió en el nuevo gerente del grupo.88 El guitarrista ganó el juicio y el resto de miembros presentaron una demanda contra Capricorn, que se había declarado en bancarrota en octubre.89 Massarsky llevó a la banda a firmar un contrato con Arista Records, que la presionó para «modernizar» su sonido.90 Trucks declararía más tarde: «[El fundador de su nueva discográfica] Clive Davis quería que fuéramos una versión sureña de Led Zeppelin y nos trajo productores extranjeros que sólo hicieron que la cosa empeorara».91

Reach for the Sky y Brothers of the Road (1980-1982)
Su primer trabajo con Arista fue Reach for the Sky (1980), publicado en agosto de 1980 y que produjeron Mike Lawler y Johnny Cobb.90 Lawler pronto formó parte de la banda e incorporó solos de keytar algo que la mayoría de los aficionados calificaron como «el punto más bajo de la carrera del grupo».92 El álbum, lanzado en un momento en el que la popularidad del rock sureño menguaba, únicamente llegó a la posición veintisiete del Billboard 200.34 Jaimoe fue despedido poco después y reemplazado por el hermano de Dan Toler, Frankie.93 El motivo fue la insistencia de su esposa y mánager, Candace Oakley (la hermana de Berry), en manejar los asuntos de negocios del conjunto.94 Gregg Allman alegó más tarde que el despido de «un hombre gentil como Jaimoe» fue «una de las lacras de la historia de The Allman Brothers Band».95 Por otra parte, Massarsky dejó la gerencia y le suplió el promotor John Scher.96

Para su segundo trabajo con Arista, Brothers of the Road (publicado en agosto de 1981), la banda colaboró con John Ryan, productor de Styx y The Doobie Brothers, que la empujó a cambiar su sonido.97 Las ventas del disco fueron aún peores que su antecesor y únicamente llegó al puesto cuarenta y cuatro del Billboard 200.34 El sencillo «Straight from the Heart» fue un éxito menor que se convirtió en su última canción en alcanzar el top 40 del Billboard Hot 100.34 Tras considerar todos sus trabajos posteriores a la reunión como «vergonzosos», la banda volvió a disolverse en 1982.98 Su última actuación fue en enero en el programa Saturday Night Live, donde interpretó los temas «Southbound» y «Leavin'».99

Seven Turns (1989-1991)
En 1989, con motivo de su vigésimo aniversario, los cuatro miembros originales supervivientes volvieron a formar The Allman Brothers Band para un gira veraniega con tres nuevos integrantes; el guitarrista Warren Haynes y el pianista Johnny Neel, ambos provenientes de la banda de Dickey Betts y el bajista Allen Woody, contratado tras una audición en el estudio de Butch Trucks en Florida.100 Ese mismo año salió a la venta la caja recopilatoria Dreams, que incluye temas de toda su carrera y de los proyectos relacionados con la banda.101 Epic Records, la discográfica de la carrera de solitario de Allman, firmó un contrato con el grupo para el lanzamiento de sus siguientes trabajos. Por su parte, Danny Goldberg, que había trabajado con Led Zeppelin y Bonnie Raitt, se convirtió en su nuevo gerente.102 El conjunto regresó al estudio en abril de 1990 con el productor Tom Dowd para grabar un nuevo trabajo de estudio. Seven Turns, publicado en julio,103 104 sólo llegó al puesto cincuenta y tres del Billboard 200;34 sin embargo, recibió buenas reseñas y sus sencillos «Good Clean Fun» y «Seven Turns» llegaron a altas posiciones en la lista Mainstream Rock Tracks.85 1 34 Además el tema «True Gravity» logró una nominación al Grammy a la mejor interpretación instrumental de rock.105 Neel dejó la agrupación poco después y al año siguiente Marc Quiñones, miembro de Spyro Gyra, ingresó como nuevo percusionista.106

Shades of Two Worlds (1991-1993)
La banda no renovó el contrato de Goldberg y le sustituyó Bert Holman, que permanecería como mánager durante el resto de su carrera.102 En julio de 1991 salió a a venta su onceavo álbum de estudio, Shades of Two Worlds,107 que tuvo peores ventas que su antecesor y únicamente alcanzó el puesto ochenta y cinco del Billboard 200.34 Por su parte, la pista «Kind of Bird» fue nominada a la mejor interpretación instrumental de rock en los premios Grammy.108 Al año siguiente, el grupo actuó diez noches seguidas en el Beacon Theater de Nueva York, algo que volvería a realizar los años venideros. Algunos temas de estos conciertos fueron recopilados en el disco en directo An Evening with the Allman Brothers Band: First Set.109 En 1993, el conjunto siguió con su gira, durante la cual, Betts fue arrestado por empujar a dos agentes de policía.110 Para sustituirle, la agrupación contrató a David Grissom y posteriormente a Jack Pearson, un amigo de Haynes111 (el reemplazo original, Zakk Wylde, actuó en un concierto, pero sus excesos en el escenario no encajaron con el estilo de la banda).112 Haynes ejerció como músico telonero de algunos conciertos y comenzó a pensar en dejar el grupo debido a la falta de comunicación.113

Where It All Begins (1994-1999)

Allen Woody en un concierto de Gov`t Mule en 1999.
A pesar de las tensiones internas, Haynes permaneció en la formación y Betts regresó.114 Su siguiente álbum de estudio, Where It All Begins, fue grabado completamente en directo en los estudios BR Ranch de Florida, en mayo de 1994.115 El disco tuvo mejores ventas que sus dos antecesores; alcanzó la posición cuarenta y cinco del Billboard 200 y consiguió un disco de oro de la RIAA.34 4 En enero de 1995, The Allman Brothers Band fue incluida en el Rock and Roll Hall of Fame.6 En la ceremonia, Gregg Allman leyó su discurso severamente ebrio y tras ver la ceremonia retransmitida por televisión abandonó con éxito las drogas y el alcohol.116 Ese mismo año salió a la venta An Evening with the Allman Brothers Band: 2nd Set,117 que cosechó dos nominaciones al Grammy; mejor interpretación instrumental pop por «In Memory of Elizabeth Reed» y mejor interpretación instrumental de rock por «Jessica»,118 de las cuales ganaría esta última.119 Durante la serie de conciertos en el Beacon Theater de 1996, una discusión entre Allman y Betts cerca estuvo de provocar la cancelación de una actuación y supuso una ruptura en el seno del grupo.116 Haynes y Woody abandonaron la formación para concentrarse en el proyecto Gov't Mule, ya que auguraban una disolución inminente.120 Sus sustitutos fueron el bajista Oteil Burbridge y el guitarrista Jack Pearson,85 sin embargo, este último dejó la formación tras ser diagnosticado con tinnitus.121 Butch Trucks decidió llamar a su sobrino Derek para que se uniera al conjunto para la gira por su trigésimo aniversario. Derek apenas tenía 20 años y era más joven que los miembros originales durante la formación del grupo.122

Hittin' the Note (2000-2005)

Oteil Burbridge actuando en Florida en mayo de 2005.
La gira de conciertos en el Beacon Theater del 2000, reflejada en el directo Peakin' at the Beacon, fue considerada como una de las peores de su carrera y otra gira, realizada en primavera, provocó las relaciones entre los integrantes se tensarán aún más.123 La frustración de los músicos fue dirigida hacia Betts y los restantes miembros fundadores le enviaron una carta en la que le informaban de que no actuarían con él en verano.124 Los involucrados en tal decisión afirmaron que la separación con el guitarrista era solamente temporal, sin embargo, Betts respondió, con la contratación de un abogado y una demanda contra la banda, que la ruptura era permanente.125 Jimmy Herring le reemplazó durante la serie de actuaciones de ese verano, en las que el grupo tuvo que lidiar contra prensa negativa y aficionados que consideraban que acudir a un concierto de The Allman Brothers Band sin Betts carecía de sentido.1 Herring se marchó después de la gira, ya que se sentía culpable al sustituir a su antecesor.126 En agosto, el ex bajista Allen Woody apareció muerto en una habitación de hotel en Nueva York.127 Warren Haynes organizó un concierto benéfico en homenaje a su compañero y en el que participó The Allman Brothers, con la cual tocó debido a la ausencia temporal de Derek Trucks.128 En 2001, Haynes volvió a reunirse al grupo para las actuaciones en el Beacon Theater.129

Esta formación de The Allman Brothers Band —compuesta por Gregg Allman, Jaimoe, Butch Trucks, Warren Haynes, Marc Quiñones, Oteil Burbridge y Derek Trucks— fue bien acogida por la crítica y el público, y se mantuvo estable durante más de diez años.85 En marzo de 2003 salió a la venta su decimocuarto y último trabajo de estudio, Hittin' the Note,130 que tuvo una buena recepción crítica y alcanzó la posición treinta y siete del Billboard 200.34 Por su parte, la pista «Instrumental Illness» consiguió dos nominaciones al Grammy como mejor interpretación instrumental de rock, una por su versión de estudio y otra por la versión en directo incluida en el disco One Way Out.77 Durante esa década, la banda se centró especialmente en sus conciertos, en los que atrajo regularmente a más de 20 000 aficionados.1

Últimos años (2006-2014)

Derek Trucks y Warren Haynes tocando en un concierto en Ohio, en julio de 2012.
En 2009, el grupo celebró su cuarenta aniversario con una nueva serie de conciertos en el Beacon Theater con la colaboración de músicos como Eric Clapton, Sheryl Crow, Johnny Winter, Buddy Guy y Levon Helm.131 Allman recibió un trasplante de hígado en 2010 que le provocó algunos problemas de salud durante los dos años siguientes.132 En 2012, el conjunto recibió un premio Grammy honorífico en reconocimiento a su carrera;133 por otra parte, Warren Haynes, Gregg Allman y el proyecto de Derek Trucks Tedeschi Trucks Band fueron nominados en la categoría de mejor álbum de blues, en la que el ganador fue este último por el disco Revelator.134 Ese mismo año, la agrupación fundó su propio festival musical, The Peach, que incluyó actuaciones de proyectos asociados de diversos géneros.135

A comienzos de 2014, Warren Haynes y Derek Trucks anunciaron su intención de abandonar la formación a finales de ese año,136 por lo que el grupo optó por terminar su carrera tras sus conciertos en el Beacon Theater, aunque algunos tuvieron que ser pospuestos debido a que Gregg Allman contrajo bronquitis. El 28 de octubre, The Allman Brothers Band realizó su última actuación, consistente en tres sets y sin la colaboración de ningún músico invitado. La última canción interpretada fue «Trouble No More» de Muddy Waters, presentada por Allman como el primer tema que la banda había ensayado cuarenta y cinco años antes.3

Estilo musical e influencias

Jaimoe, en la imagen actuando en el Beacon Theater en 2009, introdujo a sus compañeros a la música de Miles Davis y John Coltrane.
The Allman Brothers Band generalmente ha sido considerada como una de las pioneras del rock sureño,6 1 aunque los propios integrantes han rechazado dicho término.137 El guitarrista Dickey Betts era crítico acerca de esta clasificación,138 que consideraba injusta: «Creo que es limitadora. Preferiría que fuéramos conocidos como una banda de rock progresivo del Sur. Estoy endiabladamente orgulloso de quien y de donde soy, pero odio el término rock sureño. Creo que llamarnos eso nos encasilla y fuerza a la gente a esperar cierto tipo de música que no creo que sea razonable».137 El conjunto se situó en la vanguardia de la popularidad del género a comienzos de la década de 1970; el éxito de At Fillmore East llevó a su ciudad de origen, Macon, a estar inundada por nuevas agrupaciones de rock sureño.139 A pesar de ello, la banda continuó con su intento de separarse de dicho apelativo. El guitarrista Warren Haynes comentó al respecto: «El problema es que mucha gente lo asocia con paletos, banderas rebeldes y mentalidad atrasada. Eso nunca ha representado a The Allman Brothers Band».139

El grupo también ha incluido sonidos blues, jazz y country a su música.2 Durante los primeros días de su formación, sus integrantes compartían con avidez sus colecciones de discos.140 Por ejemplo, Betts los introdujo a la música country y al trabajo de guitarra de Chuck Berry,141 mientras que Butch Trucks era un gran aficionado a The Rolling Stones y Grateful Dead.140 Por su parte, Duane y Gregg Allman habían crecido con la música rhythm and blues y coleccionaban álbumes de James Brown, B.B. King, Sonny Boy Williamson y Howlin' Wolf.142 Jai Johanny «Jaimoe» Johanson estaba interesado en el jazz y les mostró los trabajos de Miles Davis y John Coltrane.143

Duane Allman tuvo la idea incluir dos guitarristas principales, influenciado por Curtis Mayfield: «Él quería que el bajo, los teclados y la segunda guitarra formaran patrones tras el solo en vez de simplemente acompañarle».2 El estilo de Betts estaba orientado hacia la melodía y él mismo lo calificó como «demasiado fluido, en la línea del blues» y añadió que «soy un tipo tan melódico que cuando toca un blues, se va a la melodía primero». Escuchar country y bluegrass durante su adolescencia influenció considerablemente al guitarrista: «Tocaba mandolina, ukelele y violín antes de tener una guitarra en mis manos».144

La banda también mantuvo un enfoque a la improvisación en sus actuaciones en directo que la conectaron con la cultura de las jam bands. Según Haynes: «Los músicos de jazz y blues habían hecho eso durante décadas, pero creo que el grupo trajo ese sentimiento de que cualquier persona en un escenario pueda inspirar a otra en cualquier momento».145 Por su parte, Gregg Allman comentó: «Desde luego no nos propusimos ser una jam band, pero esas largas improvisaciones emanaban del interior del conjunto, porque no queríamos tocar tres minutos y acabar».146

Legado
The Allman Brothers Band fueron considerablemente influyentes en el sur de los Estados Unidos. Su llegada a la escena musical abrió el camino para que otros conjunto de rock sureño —entre ellos Lynyrd Skynyrd, The Marshall Tucker Band y Wet Willie— consiguieran éxito comercial y para que Capricorn Records se convirtiera en una «importante discográfica independiente».1 Billy Gibbons de ZZ Top escribió para la revista Rolling Stone que la banda «definió lo mejor de la música sureña en ese momento. Ellos fueron los mejores de todos nosotros». Gibbons añadió que el grupo era «una verdadera hermandad de músicos más allá de las razas y los egos».5 Bruce Eder, redactor de Allmusic, alabó la historia de la agrupación: «Pasaron de ser la banda más influyente de los Estados Unidos a vivir de sus viejas glorias, para llegar al siglo XXI como uno de los grupos rock más respetados de su época».1 En 2012, una placa conmemorativa fue situada en Byron, Georgia, en el emplazamiento del festival Atlanta International Pop celebrado en julio de 1970, y que destaca la participación de The Allman Brothers Band.147

Entre los artistas que han sido influenciados por su sonido o que han versionado algunos de sus temas se encuentran bandas y músicos tan diversos como Drive-By Truckers,77 My Morning Jacket,77 Lynyrd Skynyrd,148 The Marshall Tucker Band,148 Kid Rock,149 Kenny Wayne Shepherd,149 They Might Be Giants,150 Down,151 Whitesnake,152 Lamb of God,153 Zakk Wylde,154 Obituary,155 38 Special,156 Molly Hatchet,157 Bob Seger,158 Dixie Dregs,159 Alison Krauss,160 o Waylon Jennings entre otros.161

Premios y reconocimientos

A lo largo de su carrera, The Allman Brothers Band ha recibido distintos reconocimientos por parte de la crítica y ha recibido algunos galardones musicales. La formación original fue incluida en el Rock and Roll Hall of Fame de 1995 tras un discurso realizado por Willie Nelson.6 Por su parte, el grupo ha conseguido tres premios Grammy, dos de ellos honoríficos y uno por una versión en directo del tema «Jessica».119 Por su parte, sus ventas en Estados Unidos les ha permitido conseguir cinco discos de platino y once de oro otorgados por la RIAA.4 Además de añadir At Fillmore East en su lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos,162 la revista Rolling Stone posicionó a la banda en el puesto cincuenta y tres de su ránking de los 100 mejores artistas de todos los tiempos.5 Por otra parte, en 2003, dicha publicación incluyó a Betts,163 Allman,164 Trucks y Haynes entre los 100 mejores guitarristas;165 166 aunque posteriormente este último no sería incluido en una revisión de dicha lista en 2011.167 168 169 Por otra parte, Guitar World seleccionó a los cuatro entre los mejores guitarristas de todo los tiempos,170 además sus lectores incluyeron a «Jessica»,171 «Blue Sky» y «Whipping Post» entre los mejores solos de guitarra.172 173


sábado, 23 de enero de 2016

¿HAY QUE TIRAR EL LIQUIDILLO DE LAS LATAS DE CONSERVA?


 Una noche de sábado cualquiera y no tienes nada que comer. Entonces miras en las estanterías de la despensa y encuentras unas cuantas latas: bueno, es mejor que nada. Así que las abres y te encuentras unas sardinitas con su correspondiente liquidillo. ¿Qué haces?
Mucha gente se pregunta si es mejor tirarlo o no, y de hecho, hay personas que tiran ese líquido e incluso después pasan bajo el grifo el producto. Por si acaso. En realidad, el líquido de las latas de conservas no es malo, así que no hay necesidad de hacer esto, porque si el producto se vende listo para comer, como es el caso del atún, y otros pescados en aceite, no tienes que lavar nada.


Es más, este tipo de líquidos y de aceites puedes usarlos para crear recetas. Si miras en Internet, o incluso en libros de cocina actuales, puedes encontrar con multitud de instrucciones que te enseñarán a no desperdiciar nada. En estos tiempos que corren, aprovechar al máximo cualquier cosa que compremos es de lo más útil, y casi necesario. Es por eso que mucha gente, por ejemplo, utiliza el aceite de la lata de atún para hacer, el aliño de la ensalada que vamos a comer o a cenar hoy.
Y si no, la gente que es más cocinillas y que se las arregla mejor en los fogones, también puede crear cosas maravillosas, desde salsas, hasta cremas para los aperitivos. En realidad, la imaginación (y el paladar) es el límite, así que no te cortes, e intenta crear al máximo.

Date cuenta de que en realidad, estás aprovechando todos los ingredientes que tienes a tu disposición, así que evidentemente, te aconsejamos que no tires el líquido de las latas de conservas.

miércoles, 20 de enero de 2016

A DONDE MIRAR.

Una empresa estaba en una difícil situación, las ventas iban mal, los trabajadores y colaboradores estaban desanimados y la situación financiera del negocio era extremadamente crítica. Era preciso hacer algo para revertir la situación.

Nadie quería asumir responsabilidades. Por el contrario, el personal sentía el desamparo y la rápida extinción de la empresa. Ellos consideraban que alguien debía tomar la iniciativa para revertir la situación.

Un día, cuando los funcionarios y los trabajadores llegaron al trabajo, encontraron en la portería un cartel que decía:
 "En el día de ayer falleció la persona que impedía el crecimiento de nuestra empresa. Usted está invitado a participar de los funerales en el salón de deportes"

Todos sintieron tristeza ante la muerte de un compañero, pero a la vez tuvieron curiosidad por la persona que frenaba el crecimiento de la empresa.

La agitación en el salón de deportes era muy grande por lo que fue preciso llamar a seguridad para organizar a los asistentes. A medida que las personas se aproximaban al féretro, la ansiedad aumentaba. Se preguntaban: ¿Quién será el que entorpecía el progreso de nuestra empresa?

Uno a uno, se aproximaban deseosos de conocer al personaje en cuestión. Pero al acercarse al féretro quedaban pasmados y en absoluto silencio, no lo podían creer, jamás hubiesen imaginado lo que había dentro… ¡Había un espejo!… En él se reflejaba la cara de cada uno de los que lo miraban.

Sólo existe una persona capaz de limitar tu crecimiento, tú mismo.
 Tú eres la única persona que puede perjudicar tu vida.
 Cuando tú fallas, no intentes hallar otros culpables.


"Si permites que Dios transforme tu corazón, las derrotas se convertirán en triunfos y las frustraciones en éxitos. Él guiará tu vida y jamás tendrás que depender de tus propios instintos"